sábado, 16 de mayo de 2015

El inquietante, fascinante y enigmático sonido de los datos de Ryoji Ikeda

Ryoji Ikeda Test Pattern [No. 5], Instalación.

El mundo binario, que se resume –paradójicamente- en solo dos dígitos (1y 0) que permiten codificar casi todas nuestras percepciones. Ese frío conjunto de datos que atraviesa nuestra cotidianidad y que pareciera que todo lo envuelve, todo lo engloba, es la “materia estética” de las creaciones artísticas de Ryoji Ikeda, un artista audiovisual y sonoro de reconocida trayectoria internacional que nació en Gifu, Japón en 1966, y que vive actualmente en París. 

Son flujos incesantes de datos, de información cifrada y codificada que circulan de manera continua por las redes que ha creado el ser humano para comunicarse entre sí, pero también para controlar y racionalizar lo existente. Máquinas cibernéticas que nunca descansan, que almacenan, procesan, codifican, recodifican, decodifican. 

Su apariencia es la de un frío e implacable ambiente que pareciera tener vida por sí mismo, tal como es presentado en el  proyecto “datamatics” de Ikeda de 2006, en donde explora el potencial de percepción de las múltiples sustancias invisibles de datos que impregnan nuestro mundo a través de un conjunto de instalaciones: tanto objetuales, como audiovisuales con sonido electroacústico y sonoro/musicales. 


Su interés por las características matemáticas de las ondas de luz y sonido lo ha llevado a realizar proyectos de una estética que evidencia perceptualmente ese mundo numérico como: “spectra” (2001),  “test patterns” (2008), “superposition” (2012) y “cyclo” (2012), un proyecto realizado en colaboración con Carsten Nicolai. En 2014 ganó el premio Ars Electronica Collide@CERN.

Sus performances y presentaciones públicas las ha realizado en distintos escenarios, festivales y museos, entre los cuales cabe mencionar: el Museo de Arte Contemporáneo de Tokyo, el Festival Elektra de Montreal, el Sonar Festival de Barcelona, el Centro de Artes Electrónicas de Linz, la Aichi Trienal de Nagoya, el Barbican Center de Londres, el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Bogotá, el Hamburger Bahnhof de Berlín, el DHC/Art de Montreal, el Festival d’Automne de París, el Carriageworks de Sydney, la Trienal de Auckland, el MONA Museum Hobart de Tasmania, la Ruhrtriennale, la Fundación Telefónica de Madrid, el MoMA de Nueva York, el Kyoto Experiment Festival, entre muchos otros lugares
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En lo musical cabe destacar sus álbumes “+/-” (1996), “0°C” (1998), “matrix” (2000), “dataplex” (2005), “test pattern” (2008) y “supercodex” (2013) basados en sonidos de cualidades minimalistas que bordean a veces -por su alto nivel de frecuencias-, lo apenas audible; y en donde se generan un variado tipo de “paisajes sonoros” con un patrón de ritmo particular envolvente que crea efectos hipnóticos.



martes, 12 de mayo de 2015

K. Wodiczko y la re-significación crítica de la memoria urbana

Krzystof Wodiczko (Varsovia, 1943)

Krzysztof Wodiczko (Varsovia, 1943), es actualmente profesor e investigador del MIT y de la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard. En sus obras de arte en espacio público propone una constante re-significación del espacio urbano, sobre todo de los monumentos o los lugares cargados de memoria arquitectónica e histórica, con el fin de poner de presente una dimensión crítica frente a las exclusiones a las cuales han sido sometidos distintos sectores de la población. 

Sus propuestas combinan diversos elementos, como lo son: el diseño industrial, los medios audiovisuales y digitales, el performance y la arquitectura para abordar temáticas, sociales, políticas y sociológicas que buscan propiciar la comunicación y el diálogo intercultural. Y su estrategia ha consistido, en general, en proyectar imágenes en fachadas de edificios o monumentos emblemáticos de distintas ciudades del mundo, que muestran partes agrandadas del cuerpo o del rostro de individuos que componen la comunidad, y que dan testimonio de sus experiencias –muchas veces ignoradas o silenciadas- a través de su voz, o de otras forma de comunicación verbal como la combinación simultánea de texto y narración oral. 
 
Wodiczko busca provocar con esta proyección de imágenes audiovisuales perturbadoras en monumentos o edificios públicos, un impacto a menudo violento e irónico, que intenta despertar la conciencia crítica del público de cara a la realidad social en la que se encuentra sumergido. La utilización de plazas, calles, edificios y monumentos del pasado cargados de un gran valor simbólico y carga histórica, en distintas ciudades del mundo se han convertido en el eje de una manera de hacer crítica social a través del evento o acción artística.
  • "Sus proyecciones, que unen al sentido de la imagen mediática contemporánea con la imagen del monumento público del pasado, son un aprovechamiento táctico para convertir en espectáculo sus intervenciones en estos espacios públicos y difundir sus mensajes críticos." (Di Paola 2009:134).

Veamos algunos ejemplos de ello. 



En The Hiroshima Projection, el 7 y 8 de agosto de 1999, en el A-bomb Dome -edificio que quedó en parte intacto tras el atentado atómico del 6 de agosto de 1945-, se vio la proyección de las manos gesticulantes y se escucharon las evocaciones emotivas de varios supervivientes que padecieron a lo largo de los años las secuelas de este ataque nuclear. Con las imágenes proyectadas a la altura del lago artificial del Hiroshima Peace Memorial Park, Wodiczko buscó hacer una denuncia del olvido y la indiferencia hacia este crimen contra la humanidad; dando así un testimonio elocuente de:

  • "[…] la irrepetible existencia del individuo, de su relación peculiar con la verdad que han vivido en primera persona y que ha modificado irreparablemente su condición de ciudadano del mundo. En ese sentido Hiroshima Projection auspicia el valor del testimonio como verdad interna que constituye al individuo respecto a la colectividad y aún más, respecto a las potencias históricas de la negación y la ocultación. […]" (Di Paola 2009: 135).

Los testimonios presentados, erosionan -sin caer en el sentimentalismo- algunos de los mitos y prejuicios que todavía hoy en día existen a causa de la prohibición por parte de las autoridades japonesas de la época de no difundir ningún testimonio de lo sucedido que pudieran alterar la tranquilidad pública. Sólo cincuenta años después, las voces de las víctimas pudieron expresar los terrores psicológicos, éticos y políticos sufridos y ocultados. Porque, además de las consecuencias radioactivas nefastas que debieron padecer muchos supervivientes, también tuvieron que aceptar silenciosamente las justificaciones de las autoridades estadounidenses, el maltrato psicológico perpetrado por los veteranos de guerra traumatizados y el prejuicio común de que pudieran representar una amenaza potencial genética para la sociedad.

Krzystof Wodiczko, Tijuana Projection, 2001. (Videoproyección en espacio público).
Con un objetivo similar surge en 2001 Tijuana Projection, una intervención llevada a cabo en el Teatro Omnimax del Centro Cultural de Tijuana (CECUT), edificio conocido popularmente como La Bola y construido por Pedro Ramírez Vázquez y Manuel Rossen Morrison, en 1982, el cual se articula a partir de una gran esfera inspirada, en gran parte en los cuestionados proyectos utópicos del arquitecto neoclásico francés del siglo XVIII Claude Ledoux, y que se concibió para dinamizar culturalmente a Tijuana y promover un cierto turismo cultural. 

Tijuana es una ciudad fronteriza del norte de México que se caracteriza por ser uno de los lugares de mayor presión y control de la policía anti-inmigración estadounidense. La frontera militarizada con los Estados Unidos ha modificado por completo, con el tiempo, el paisaje real de Tijuana. Pero no sólo ha trasformado todo el espacio físico que ocupan las personas que están y trabajan allí, sino también su propio "espacio interior", es decir, los estados de ánimo, las esperanzas, los horizontes mentales, así como las identidades y las utopías de la colectividad. Es así que Tijuana Projection busca hacer visible los efectos físicos y mentales producidos por la construcción de una frontera que marca de manera dramática el territorio no sólo en lo físico y espacial, sino también en lo mental. 
Krzystof Wodiczko, Tijuana Projection, 2001. (Videoproyección en espacio público).
Wodiczko, al interesarse por el significado simbólico que se desprende de la voluntad integradora del edificio, va más allá de las características físicas del lugar, y proyecta la imagen de los rostros de personas que narran el drama de su experiencia como inmigrantes, o como víctimas de atropellos y distinto tipo de violencia en tiempo real. Esto lo hace posible a través de la instalación de cámaras de video móviles y micrófonos colocados directamente en un soporte especial sobre la cabeza de las personas que van pasando una a una a narrar las duras experiencias que han padecido al querer cruzar de manera clandestina la frontera en busca de un mejor futuro, por ejemplo; o por el duro trabajo diario que tienen que hacer muchas mujeres al vender su fuerza laboral en condiciones de explotación en las llamadas "maquilas"; e incluso el testimonio de algunas de ellas que han sido víctimas de violaciones, incesto o distinto tipo de vejámenes y situaciones de violencia doméstica.

Lo curioso es que estas dolorosas experiencias íntimas, guardadas de manera privada por mucho tiempo se hacen públicas, y se constituyen así en una experiencia catártica ante un amplio público asistente. De esto es consciente el artista, al afirmar  en una entrevista que: «[…] a veces es más fácil decirle las cosas a una multitud de personas que a alguien en el hogar». Por eso el dispositivo de sus obras adquiere un cierto carácter de espectáculo que aparentemente parece contradictorio con lo delicado de los contenidos traumáticos abordados; pero que en la experiencia concreta de la realización final del proyecto artístico posibilita la verbalización de aquello que se encuentra reprimido, latente, y que es puesto de manifiesto a través de la palabra, a la manera de una "cura psicoanalítica”. Porque según S. Freud la cura psicoanalítica se da cuando el trauma, al ser recordado y verbalizado, se disipa y se elabora.

Krzystof Wodiczko, The St. Louis Projection, 2004. (Videoproyección en espacio público).
Esto se evidencia de alguna manera en otra de sus obras: The St. Louis Projection, del 15 de abril de 2004, con la utilización por parte del artista de la fachada de la Biblioteca Pública de St. Louis, en donde proyectó varios testimonios de personas que han sufrido los efectos de la violencia. La proyección constó de dos partes: una en la que se presentaron los testimonios de quienes perdieron a algunos de sus seres queridos y donde compartían en directo sus experiencias y dolores con el público, y la otra en la que se mostraron las manos gesticulantes en la fachada del edificio, dando la sensación de que era el mismo edificio el que hablaba. Igualmente, se narraron las historias de remordimiento de los presos que cumplían condena por sus actos en el Estado de Missouri.
  • "Así, en un lugar público como lo es esa biblioteca, es decir, un espacio concebido a partir de la idea de que todos los seres humanos tienen derecho al libre acceso de la información como instrumento esencial de la educación, el valor del testimonio se reactualiza con el carácter de una auténtica misión. Su función es prácticamente terapéutica y se basa en el poder curativo del discurso público. Aquellos que han perdido a sus seres queridos están en condiciones de expresar su dolor en un foro público y constructivo, mientras que los que han cometido actos de violencia pueden expresar sus culpas y el peso de sus propias acciones, con el mismo derecho de igualdad de palabra." (Di Paola 2009: 137-138).
De la misma forma podríamos seguir presentando algunas otras de las más de setenta proyecciones de este tipo realizadas en países tan diferentes como: Alemania, Inglaterra, Australia, Austria, Canadá, Polonia, España, Estados Unidos, rlanda del Norte, Israel, Italia y Suiza. 



Por: Rodolfo Wenger C.




Referencias 

DI PAOLA, Modesta. (2009).  “Krzysztof Wodiczko; proyecciones”, en AA.VV. (2009). La memoria del otro. Bogotá: Museo de arte de la Universidad Nacional de Colombia, 2009. Hay una versión en línea en: http://interartive.org/2010/12/krzysztof-wodiczko/#sthash.eFdrdyxI.TTNwxiBV.dpuf




miércoles, 6 de mayo de 2015

Liliana Porter y la reflexión acerca de la representación


Liliana Porter. La Clarivoyance/ The Clairvoyance (1999). Instalación.



Estoy interesada en la relación entre las cosas y su representación, y me atraen los inevitables ‘errores’ que hacemos cuando intentamos ser precisos en cualquier descripción o definición. Soy consciente que toda percepción es una interpretación y que hay una distancia entre la cosa y el nombre que la designa. El concepto (en mi obra) está basado en la intuición de un diferente (y liberador) orden de las cosas.
Liliana Porter, 2001. Cat. Exp. Animations, (New York: PS1 contemporary art center).




Liliana Porter es una artista argentina nacida en Buenos Aires en 1941, y radicada en Nueva York desde 1964. 

Liliana Porter (n. 1941  )
Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano en Buenos Aires. En 1958 viajó muy joven a México, donde estudió grabado en la Universidad Iberoamericana. En 1964 asistió al Pratt Graphic Art Center de Nueva York. Junto a Luis Camnitzer, su esposo, y José Guillermo Castillo fundó el New York Graphic Workshop y formuló, en 1967, el concepto de FANDSO (Free Assemblage, Non-functional, Disposable, Serial Object). En 1971 participó de la creación de El Museo imaginario Latinoamericano, un museo sin paredes, en contraposición al Center for Inter-American Relations (CIR) y su política regresiva.

En 1977 fue cofundadora y profesora de grabado del Studio Camnitzer-Porter en Lucca, Italia. De 1991 a 2007 fue profesora en el Departamento de Arte en la Universidad de la Ciudad de Nueva York, CUNY, Queens College. Entre otras distinciones recibió la beca Guggenheim en 1980. The New York Foundation for the Arts Fellowship (1985, 1996, 1999). NEA Mid-Atlantic Regional Fellowship (1994). Professional Staff Congress-CUNY Research Award (1994–2004).


Liliana Porter. Blue with Mirror (1997), cibachrome, 35 ½ x 29 ".


Liliana Porter. To Clean Red (2012). Instalación en pared. (Pequeña figura sobre cubo acrílico, 7 ½ X 6 X 6").


Es una artista que utiliza y combina diversos medios como: el dibujo, la instalación, la fotografía, la gráfica y la pintura, entre otras técnicas que interactúan por medio de una delicada “puesta en escena”, en donde se plantean interrogantes que parecen muy inocentes, o incluso aparentemente ingenuos, pero que terminan por poner en entredicho ciertas cuestiones que podríamos considerar filosóficas, epistemológicas o metafísicas porque nos confrontan con los mecanismos que operan en nosotros en las maneras  como asumimos la representación, lo que es la realidad, la función de la imaginación, el límite entre lo real y lo imaginario, etc.
Al respecto, en una entrevista la artista señaló lo siguiente: «Lo más importante para mí es no tratar de expresar un pensamiento, sino generarlo: En otras palabras, se sitúa en la brecha entre mi propuesta y la percepción o re-creación del espectador. No considero que sea tan terriblemente difícil de entender mi obra –por lo menos, así me gustaría que fuera, esta es mi intención mientras estoy trabajando–». (Tomado de: Liliana Porter, 2005. For you/ Para usted,  The Daros Latinoamérica Tapes and Video Installations, Daros Exhibitions, Zurich, april 25-september 6, pag. 30, 2009). 

Liliana Porter. Boy with Postcard (1998), cibachrome, 29 x 23 ½

Hay una cierta relación explícita en su obra con el universo magrittiano o borgiano. Los temas recurrentes de sus obras parten de reflexiones acerca de la representación, del concepto del tiempo y de ese espacio ambiguo que se da entre lo que llamamos real y las imágenes. En los últimos años, ha integrado a sus obras pequeñas figuras, adornos, cosas encontradas en mercados de pulgas, que dispone en un espacio monocromo y vacío, y en un tiempo no lineal, abstracto, casi metafísico; de esta manera su interrogación artístistica pareciera rozar lo atemporal. 

Liliana Porter. The Traveler (2001), instalación de dimensiones variables.

Su obra está representada en numerosas colecciones públicas y privadas, entre las que se encuentran: el Museo Metropolitano, el Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney de Arte Americano y la Biblioteca Pública de Nueva York, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Museo de Arte Moderno y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires; la Fundación Daros en Suiza, la Tate Modern en Londres, la Colección Patricia P. de Cisneros, la Biblioteca Nacional de París; el Museo Reina Sofía de España; y el Museo Tamayo de México.


Referencias:

Las imágenes y algunas de las informaciones presentadas son tomadas del sitio oficial web de Liliana Porter: http://lilianaporter.com/
 
 


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